每年8月，全球游戏行业都会把目光投向德国科隆。
作为全球规模最大的游戏展会之一，gamescom（科隆游戏展）不仅是各大厂商发布新作、展示技术和争夺玩家关注的重要舞台，也是观察全球游戏设计趋势的一个窗口。
而今年，一个尤其值得关注的变化是： 中国游戏正在越来越多地出现在这个全球舞台的中心位置。
过去，中国游戏行业更多被讨论的是庞大的用户规模和成熟的商业化能力；但现在中国游戏正在从“面向国内玩家的产品”，逐渐走向更广泛的国际市场。无论是米哈游、腾讯、网易等大型厂商，还是越来越多的独立团队，都在尝试把中国团队的研发能力、艺术风格和内容表达带到全球玩家面前。
今年的gamescom共有60家中国企业参展。从《燕云十六声》获得“最佳移动游戏”，到《湮灭之潮》拿下“最具史诗感游戏”，再到《明日方舟：终末地》获得消费者票选的“最佳展台”，中国游戏已经不只是来到科隆“参展”，而是开始在玩法、视觉、文化表达和展会呈现等不同维度与全球作品同台竞争。
但比起“哪些中国游戏获奖”，对于设计专业的同学来说，更值得关注是来自不同国家、不同类型的游戏，正在从玩法、视觉、声音、叙事与文化表达等多个维度，探索如何通过不同的设计方式影响玩家的体验。
PART1
科隆游戏展
不只是一个“看新游戏”的展会
2026年，科隆游戏展吸引了来自67个国家的1600多家参展商，展览面积达到23.3万平方米，覆盖游戏展示、试玩、商务交流、独立游戏以及行业活动等多个领域。
对于游戏公司来说，这里既是展示新作品、接触玩家和寻找行业合作的重要场景，也是一次直接观察玩家反馈的机会；对于玩家来说，则可以在几天时间里集中体验来自不同国家和地区的新作。
其中，一年一度的 gamescom Awards 尤其值得关注。
它并不是简单评选一款“今年最好玩的游戏”，而是设置了Best Visuals、Best Audio、Best Gameplay、Most Epic、Most Wholesome、Games for Impact等不同类别，同时还包括Best Mobile Game、Best PC Game以及Best Booth等平台和展会相关奖项。
从评审标准来看，gamescom对于一款游戏的评价也不只集中在某一个单一维度上。玩法、声音、创新、娱乐性、技术进步以及市场潜力等，都可能成为评价一款作品的重要因素。
所以，如果从设计专业学生的角度来看，gamescom Awards更值得关注的地方，是它提供了一个 观察游戏设计的平台。不同奖项对应着不同的体验维度，也能帮助我们看到，一款游戏是如何建立自己的特点的。
今年的获奖作品中，有《鬼武者：剑之道》这样的动作玩法型作品，也有《地铁：2039》这样把视觉和环境叙事结合起来的作品；有《SOKO 1977》这样的历史政治推理游戏，也有《燕云十六声》《湮灭之潮》等中国游戏。
接下来，我们就从这些获奖作品出发，看看不同类型的游戏是如何通过玩法、视觉、声音、叙事等设计，让玩家形成独特的体验。
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PART2
Best Gameplay
《鬼武者：剑之道》
gamescom将Best Gameplay用于表彰能够提供出色玩家体验的作品，今年获奖的《鬼武者：剑之道》就是一个非常典型的例子。
作为一款强调动作体验的 动作角色扮演游戏， 它的战斗并不是简单地不断按攻击键。玩家需要根据敌人的动作判断什么时候应该格挡、什么时候应该闪避，以及什么时候抓住时机进行反击。在游戏中，精准格挡、闪避、反击以及针对不同攻击方式选择不同应对手段，都被认为是战斗系统的重要组成部分。
这背后其实对应了游戏设计中的一个核心概念——游戏手感。
“手感”并不是单一的震动反馈或者动作流畅等等。而是玩家进行一次操作之后，动画、声音、攻击响应、敌人反馈以及角色动作会一起告诉玩家：这一击有没有命中？这一刀有多重？刚才的格挡是不是成功了？
同样是按一下攻击键，不同游戏带给玩家的感觉可能完全不同。
《鬼武者：剑之道》的特点就在于，它把大量设计注意力放在了战斗动作之间的关系上。玩家需要观察敌人的攻击，再选择格挡、闪避或者反击；成功之后，系统又会通过动作和战斗反馈把结果明确地反馈给玩家。这样的操作—反馈循环不断重复，最后才形成所谓的“手感”。
所以，《鬼武者：剑之道》真正值得关注的是它如何围绕一个核心玩法，把 操作、动画、声音和战斗反馈 串联起来，让玩家在不断操作的过程中形成良好的战斗体验。
对于游戏设计作品集来说，这种思路也比单纯展示角色、场景或战斗画面更有价值。与其只展示“做了什么”，不如进一步说明 玩家做了什么、系统如何回应，以及这些设计如何共同影响玩家的体验。
Best Visuals
《地铁：2039》
《地铁：2039》获得了本届gamescom Awards的 Best Visuals。按照gamescom的评审标准，这一奖项关注的不只是画面技术，也包括游戏的视觉风格、世界氛围、角色设计以及色彩等因素。
这也是为什么“视觉设计”和“画面好看”其实是两个不同的问题。
《地铁：2039》的视觉表现建立在一个非常明确的世界基础上：这是一个后末日环境中的地下世界。官方在介绍游戏时就特别提到， environmental storytelling是游戏关卡设计的重要组成部分，玩家可以通过物品、尸体和环境中的各种细节，自己拼出这里曾经发生过什么。
比如一个废弃空间里的物品、一面损坏的墙、残留下来的生活痕迹，都可以成为信息的一部分。
玩家并不一定需要看到一段过场动画，才能知道这里发生过灾难。很多时候，只需要经过这个空间、观察这些细节，就会逐渐形成自己的判断。
这就是环境叙事有意思的地方：空间本身也可以成为叙事的一部分。所以在设计这样的游戏场景时，画面好不好看只是其中一层。这个空间为什么是这样的？哪些东西是在告诉玩家信息？玩家走进来之后，又能从环境里读到什么？这些问题都会直接影响玩家对这个世界的理解。
当我们在做一个游戏设计时也是一样。做一个场景时，可以不要停在“把画面做漂亮”这一步，而是把其中的视觉元素、空间关系和叙事信息继续深入下去。这样呈现出来的场景，才不仅是一张效果图，也能让人看到你是怎么通过设计去组织玩家体验的。
Best Audio
《异形：隔离2》
如果说《地铁：2039》让我们看到视觉如何参与叙事，那么获得 Best Audio 的《异形：隔离2》，则提供了另一个角度。
《异形：隔离2》是一款以潜行和生存为核心的恐怖游戏。对于这类游戏来说，一个很重要的设计问题就是： 玩家并不总能看到威胁。
当敌人出现在视野里时，玩家可以直接通过视觉判断危险在哪里；但当敌人藏在视线之外，玩家就只能依靠其他信息判断它是不是就在附近。这个时候，脚步声、环境声、声音方向等信息就变得非常重要。
玩家听到的声音不只是“氛围”。它可能影响玩家下一步往哪里走、要不要继续前进、是否应该躲起来，以及当前空间里是不是存在潜在威胁。
（此处为视频，请在原文中观看）
这也是游戏交互和普通视觉设计很不一样的地方：信息不一定需要通过UI弹窗、文字提示或者视觉标记来传递。声音同样可以成为玩家理解游戏世界的一种方式。
gamescom在Best Audio的评审标准中，也提到了声音设计、音效、对白和音乐，以及这些声音如何共同形成沉浸式的声音体验。《异形：隔离2》拿到这个奖，恰好也让我们看到，声音可以直接参与游戏机制和玩家体验，而不只是给画面增加氛围。
Best Mobile Game
《燕云十六声》
《燕云十六声》获得了今年的Best Mobile Game，这当然说明中国游戏在全球市场上的影响力正在提升，不过从设计角度来看，比“拿了什么奖”更值得思考的是： 一款游戏究竟应该怎样表达自己的文化？
《燕云十六声》是一款开放世界武侠ARPG，已经覆盖PC、主机和移动平台。官方在获奖信息中也强调了它的跨平台体验，以及持续更新的开放世界内容。
但这里其实有一个很容易出现的误区：做中国文化，是不是把中国元素放进去就够了？
亭台楼阁、传统服饰、水墨色彩当然可以让一款游戏“看起来很中国”，但这些首先还是视觉符号。更深一层的设计是玩家进入这个世界之后，能不能通过自己的行动感受到这种文化？
对于游戏来说，历史、文学、建筑、武术等内容，都可以进一步转化成角色、空间、规则和玩法。比如武侠文化如果只出现在人物服装和建筑风格里，它更多是一种视觉表达；如果它进一步影响角色之间的关系、玩家的行动方式、战斗方式以及探索世界的过程，那么文化才真正进入了游戏体验。
这样一来，做“中国风”时考虑的就不只是“还能加入哪些中国元素”，还可以继续往下问： 玩家要做什么，才能真正感受到这种文化？
Most Epic
《湮灭之潮》
所谓“Epic”，可以简单理解为一种 史诗感：玩家面对游戏中的场景、战斗或者故事时，会产生一种强烈的震撼感，觉得眼前发生的事情非常重要、非常壮观。
《湮灭之潮》把 亚瑟王传说与现代伦敦 放进同一个世界，并通过巨型敌人、大规模战斗以及电影化的场景呈现制造强烈的视觉冲击。但如果只是把场景做大、把敌人做大，并不能自动产生史诗感。真正影响玩家感受的，是不同设计元素之间如何共同建立“尺度”。
场景可以建立环境尺度，巨型敌人可以提供角色之间的体量差异，镜头可以控制玩家看到什么，音乐和声音可以推动情绪，而战斗则让玩家真正参与到这个场景之中。
当这些东西同时作用时，玩家感受到的就不只是“这个Boss很大”，而是自己正在面对一个远远超出普通战斗尺度的存在。
所以游戏里的“史诗感”其实是 场景、角色、镜头、声音、叙事和玩法共同作用之后产生的体验。
这也是分析一款游戏时很值得培养的一种思维。与其简单写“画面很震撼”“场景很宏大”，不如继续往下追问：到底是哪几个设计，让玩家产生了这种感觉？如果你能把一个模糊的感受拆成具体的设计变量，这本身就是游戏设计能力的一部分。
Games for Impact
《SOKO 1977》
Games for Impact 这个奖项关注游戏所产生的社会影响，《SOKO 1977》是一部历史政治推理游戏，并加入了roguelike（roguelike）元素。故事背景位于1970年代的西德，玩家需要作为特别行动小组的负责人，分析线索、识别嫌疑人、协调行动，同时面对来自政治、媒体和公众的压力。
这里其实涉及一个很有意思的问题：历史原本是一件“被讲述”的事情，但游戏可以让它变成一件“需要处理”的事情。纪录片可以告诉观众某个历史事件发生了什么，书籍可以梳理事件背后的原因，而游戏还可以把这些内容放进玩家自己的行动里。
在《SOKO 1977》中，玩家需要面对不完整的信息、时间压力以及不同的选择。你不是单纯知道“这个时代发生了什么”，而是需要在这个环境中作出判断，而这些判断又会影响后续的游戏进程。
（此处为视频，请在原文中观看）
《SOKO 1977》有意思的地方，并不是把历史“做成了游戏”，而是它找到了一个与题材比较契合的游戏方式。作为一款政治推理游戏，线索分析、嫌疑人判断、行动安排以及各种外部压力，本身就能够承载这个时代的复杂处境。历史因此不只是被讲述，也通过玩家的调查和决策进入了游戏过程。
这也说明， 当一个题材进入游戏时，重点并不是简单地把内容游戏化，而是找到题材本身与玩法之间的关系。什么内容适合让玩家调查、选择或决策，什么内容更适合通过叙事、视觉或其他方式呈现，其实都取决于具体的主题。
Most Wholesome
《Finding Polka》
《Finding Polka》游戏围绕寻找小狗 Polka 展开。玩家会在探索过程中遇到各种角色，帮助他们、和他们成为朋友，也会在地图中发现一些小小游戏。整个游戏看起来很简单：没有复杂的战斗，也没有庞大的任务系统，甚至连画面都是圆珠笔手绘的。
但正是这些看似简单的内容，让游戏形成了非常鲜明的感觉。玩家一路寻找Polka，也一路认识新的角色、帮助他们解决一些小问题。角色的表情和动作、圆珠笔画出来的场景，再加上声音效果，都在不断强化这种轻松、温暖的氛围。 它没有用更多玩法把游戏做得更“丰富”，而是把有限的内容做得更统一。
这其实是《Finding Polka》很值得注意的一点。游戏设计并不一定是不断增加内容，有时候反而是知道什么东西可以不做。只保留寻找、探索和帮助这些最核心的行为，再让画面、角色和声音围绕它们展开，简单的玩法同样可以撑起完整的游戏体验。
（此处为视频，请在原文中观看）
放到游戏设计作品集里，也可以把这种“做减法”的过程讲出来： 为什么选择这些玩法，又为什么没有加入更多东西？ 当一个设计能够说清楚这些取舍，它呈现的就不只是“做了一个游戏”，而是对游戏体验有过具体的思考。
PART3
从科隆游戏展
看游戏设计作品集的更多可能
从这些获奖的作品中可以看出，游戏能够承载的设计内容，比我们想象中要丰富得多。它可以是玩法和交互，也可以是视觉、声音、叙事、文化表达，甚至可以结合教育、社会议题、人工智能等不同方向。一个游戏项目，往往并不只是“做一个游戏”，而是把多个设计能力放进同一个项目中。
也正因为如此，游戏项目正在成为设计作品集中越来越有发挥空间的一类项目。它既可以展示完整的设计过程，也能够把交互设计、视觉设计、叙事设计、技术实现甚至研究能力串联起来。相比单纯展示一个静态成果，一个真正可以玩的游戏，也更容易让人看到设计是如何一步步变成实际体验的。
但与此同时，一个游戏项目真正做起来，也远不只是学习一套软件、画几个场景那么简单。 从游戏机制怎么设计，到玩家体验怎么组织，再到技术如何实现、AI如何参与，以及如何通过研究找到一个值得做的主题，每一个环节都需要不同的知识和方法。