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写在前面
在艺术与设计的领域中， 两者的关系一直都备受关注。艺术包含着人类的精神文明和文化，是多元化的，是心灵的体验，也是情感的释放，是用不同的形式记录社会和文明的发展。 设计通过不断总结和传承艺术形式和精神，实现新的突破。艺术与设计存在的关系千丝万缕，相互影响，相互成就。
艺术能够成就设计，而设计也包含着艺术，是艺术发展的必然产物，充分体现了艺术的形式应用。 设计能够灵活应用艺术各种形式，所以设计既是艺术的延续，也与艺术相辅相成。 因此，想要做出好的设计，就需要将艺术和设计融合，让设计的质量在两者的融合中不断提高。在历史的发展过程中，设计可以被认定为人们将艺术转变形式，添加实用性与目的性等特质，从而转化为设计。
设计是艺术的衍生品，设计的核心就是艺术。通过艺术与设计之间的紧密联系，可以更好的在原有的基础上不断创新和传承。 下面就通过不同的艺术家的设计作品，感受一下艺术与设计的魅力吧。
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Rafael Lozano-Hemmer
_Rafael Lozano-Hemmer于1967年出生于墨西哥城。他是第一位代表墨西哥参加威尼斯双年展的艺术家，并于2007年在阿克塞尔宫举办展览。_
作品：心跳
作品介绍：
“Latidos”是墨西哥艺术家拉斐尔·洛扎诺-海默(Rafael Lozano-Hemmer)继2010年在洛杉矶比尔中心(Beall Center)和2018年在华盛顿赫希霍恩博物馆(Hirshhorn Museum)举办的第三个生物识别专题展览。 这段视频展示了“心跳”展览中每个生物识别装置的工作原理:“远程预感”、“预感指数”、“预感罐”和“预感仓库”。
该 展览结合了四个使用心率传感器来驱动动态和视听反应的装置，颠覆了识别和确定技术，在建筑规模上创造连接体验。 在《心跳》中，观众的生命体征被记录为重复的序列，显示为闪烁的灯光、全景音景、坦克中的波浪、触觉反馈和动画指纹。
在项目的核心，传感器检测每个参与者的生物特征签名。 这种亲密电活动的“肖像”或“快照”，然后与其他录音一起添加到现场档案中，创造了一个切分的视听景观， 代表了一大群参与者，将个人数据传递给集体阅读领域。复杂的切分、同一性和共振非线性模式的出现在所有项目中都很明显。
由Arte Abierto委托的新远程呈现装置“远程预感”(remote预感)不记录心跳，而是通过网络在两个相同的互动站之间传输心跳，其中一个参与者可以感觉到另一个参与者的心跳，反之亦然。
最初，这幅作品是Lozano-Hemmer边境调谐器装置的一部分，在美国和墨西哥边境，一个站在Ciudad juarez，奇瓦瓦，另一个站在德克萨斯州的埃尔帕索。在这次展览中，最初在Arte Abierto和Amparo de Puebla博物馆之间连接车站。
视频介绍：
（此处为视频，请在原文中观看）
人物经历
1989年，他在加拿大蒙特利尔的康科迪亚大学获得了物理化学博士学位。
持有他作品的公共机构包括苏黎世达罗斯收藏;墨西哥城Jumex基金会;所罗门·R·古根海姆博物馆，纽约;KZM艺术与媒体中心，卡尔斯鲁厄，德国;墨西哥城 MUAC;莫纳，霍巴特，塔斯马尼亚;纽约巴里奥博物馆;纽约现代艺术博物馆;维多利亚国家美术馆，墨尔本;伦敦科学博物馆;新加坡美术馆;以及伦敦泰特美术馆等。
2019年，他的沉浸式表演《大气记忆》在曼彻斯特国际艺术节上首演，他的互动装置《边境调谐器》使用由德克萨斯州华雷斯城和埃尔帕索参与者的声音控制的光桥将美墨边境的人们联系起来。
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Miguel Chevalier
_米格尔·谢瓦利埃1959年出生于墨西哥城。1980年毕业于巴黎国立美术学院，之后又进入国立美术学院。1983年毕业后，他获得了法国外交部的拉瓦锡奖学金，并在纽约普拉特学院学习。1994年，他在日本京都的Kujoyama别墅担任驻馆艺术家。_
作品1：交互花园Extra-Natural
“Extra-Natural”展览在人工时代质疑自然，并提供了一段穿越重新创造的自然中心的旅程。
四件奇异的透镜作品展示了想象中的虚拟花园， 通过透镜成像(使用平行圆柱形透镜组成的箔)，可以从静态图像中产生浮雕和运动的印象。参观者被邀请走到作品前面，捕捉所有的微妙之处。 根据它的方向，令人惊讶的浮雕效果，深度和轻微的运动，似乎赋予了这个自然生命。
工作是交互式的。每一朵花都对来访者的来访做出反应。植物从右向左弯曲，没有折断脆弱的铰接茎。花冠一片接一片地落下，叶子像诗意的雨一样落下，花朵在雄蕊的爆炸中消失。这个数千像素的植物芭蕾提供了一种冥想的感觉。 Extra- Natural是数字印象主义的一种形式。这幅作品重现了克劳德·莫奈(Claude Monet)的宇宙敏感性，他探索了光线随时间的变化。 Extra-Natural展览是对自然的颂歌。
《Extra- Natural》 对生物多样性的保护提出了质疑，因为它冒着沦为完全人工自然的风险。这个人造天堂旨在为人与自然的共生创造条件。
视频介绍：
（此处为视频，请在原文中观看）
作品2：象素液体”(Pixels Liquides)和“世界起源”(L’origine du Monde)
作品介绍：
Miguel Chevalier在Soulages博物馆举办的个人展“黑色像素Lumière”向画家Pierre Soulages的作品致敬，Pierre Soulages将于2019年12月24日庆祝他的100岁生日。自20世纪80年代初以来， Miguel Chevalier一直在发展一种以计算机技术为主要媒介的艺术方法。在与绘画和光的不断对话中，他探索和实验了一种新的绘画语言， 在这种语言中，像素成为了绘画触摸的等物。
两个生成式交互式数字装置“象素液体”(Pixels Liquides)和“世界起源”(L’origine du Monde)，它们将光作为一种艺术材料进行探索。
“象素液体”是一个互动装置，投射在墙壁上(13.40米x 7.80米)，就像一幅大型移动绘画。 不同深浅的黑色和蓝色的虚拟绘画在已经成为画布的墙上流动，实时创造出大型抽象画。这是一种“电子滴落”的形式，观众就像一支数字画笔，在作品的发展过程中施加自己的姿势并修改作品。
“世界起源”是一个投影在地面上的互动装置(12米x 7.50米)，灵感来自生物学、微生物和细胞自动机。 艺术家将细胞(生命的基本元素)与像素(人工“生命”的基本元素)混合在一起。这些流动的宇宙会根据参观者的动作在视觉上做出反应。这些细胞的运动轨迹在它们的脚下被破坏。漂浮的形状创造了令人印象深刻的视觉错觉。
视频介绍：
（此处为视频，请在原文中观看）
人物经历
米格尔·谢瓦利埃广泛的艺术视野是由广泛的教育和广泛的旅行塑造的。他在国际上被誉为虚拟和数字艺术的先驱之一。
自1982年以来，他的艺术一直致力于技术的探索。他的作品借鉴了艺术史，并利用计算机工具重新定义，研究了当代社会背后的流动和网络。他在国际上被誉为虚拟和数字艺术的先驱之一。他的照片是洞察我们自己以及我们与世界的关系的丰富来源。
其在世界各地的众多个展和群展中发展和完善了他高度个性化的方法。 主要作品 包括:
1992年阿尔贝维尔和巴塞罗那奥运会
1997年在斯图加特国家美术馆展出《人物的魔力》
1999年在贝鲁特法布里卡举办的"记忆与突变
2002年，墨西哥城马尔科·德·蒙特雷博物馆展出的《大都会》
2005年，“生活在网络中”Espace odeon5(巴黎)、“数字Arabesques”马拉喀什IFM (Marocco)、新证大美术馆“超自然”(中国)
2008年“象素液体”，班节Numériques # 3，班恩艺术中心(法国)，“超自然”，Emoção Art。官方4.0，文化中心Itaú， São保罗(BRA)
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Marc Lee
_Marc Lee（1969年出生于瑞士 Eglisau）自1999年起创作围绕网络的互动作品。Marc Lee先后在巴塞尔和苏黎世学习美术及新媒体艺术，2002年毕业。_
作品1：10,000 Moving Cities
作品介绍：
2010年，同样利用信息实时抓取机制的作品《一万座移动的城市》（10,000 moving cities）参加德国卡尔斯鲁厄媒体艺术中心（ZKM）20周年纪念展。 在这件作品中，观者可通过操作界面从全球的一万座城市中选择，系统将自动从主要的网络搜索引擎（Google, Pozinger, Technorati, Yahoo, Wikipedia等）抓取与该城市相关的搜素结果（如新闻、图像、视频、声音等）并投影到3D的城市几何雕塑上。 观者被给予了一种“上帝视角”，得以俯瞰覆盖着信息皮肤的“城市”。
去年，Lee获得了更多的机构资助，得以开发这件作品的第三个版本——《一万座移动的城市——同且异》（10.000 moving cities – same but different）。在旧版本中，用户的影子会投到图像上从而干扰感知，使联觉（synthetic）的城市模型比不上基于虚拟现实的数字装置的没影子的模型版本那么真实。
在如今的数字虚拟版本中，空间局限不存在了，这一事实也提供了更佳、更完整的体验。 数百座城市高楼建筑在一片抽象地景中展开，观者可以自由安全地探索这6×6平方米的空间。
入口的台子上有VR智能眼镜，没戴眼镜的人可以通过墙面投影看到戴眼镜的人所看到的画面。 5.1环绕声充盈着空间。四台摄像机精准定位用户的位置，并将数据传输给渲染引擎，从而通过数字画面与空间营造将用户瞬移（teleport）至他/她想去的“城市”。
视频介绍：
（此处为视频，请在原文中观看）
作品2：Realtime Stories
作品介绍：
«实时故事-实时绘制世界各地信息的自由流动»是一个基于网络的艺术装置，由四个墙壁大小的投影和八个音频通道组成。游客可以实时看到和听到世界各地正在发生的事情。
关于人们当前日常问题的故事被想象成一个无穷无尽的流动。游客们会意识到不同的生活是如何同时存在的。 他们在观察和调查视听故事的同时，也能积极参与其中。
用户生成的内容来自不同的社交网络，包括视频、声音、图像和文本信息，将在用户点击“发送”后立即被实时检索。 这些帖子被转移和编排到展览空间中，多语言和多元文化，给人留下深刻的视听体验。哪个问题，哪种语言，来自哪个大陆或来自哪个文化，都不相关。唯一重要的标准是它的“新颖性”和“生命力”。
创作背景：
在传统的摄影和录像艺术中，是一个艺术家团体或单个艺术家决定要展示什么。 但是通过用户生成的内容，世界各地的人们都能收到一个声音，分享他们的想法和故事。这样我们就能更好地反映我们的生活、希望、愿望，尤其是年轻一代的文化。我相信这比传统艺术有更广泛和更实质性的意义。
我们正在经历的这场深刻的数字信息和传播革命，在人类历史上是绝无仅有的。我们如何捕捉它们的范围?我们从哪里开始呢?为了了解目前的情况，我们给社交网络用户一个声音。 他们能看到附近的东西。他们的帖子是个人观点，也是一扇通往不断变化的世界的窗口。
作为一个巨大的数字，它们提供了一个全面的世界图景。我们社会的一面镜子。他们创造了意识，并将全球视角推向前台。 因此，社交网络既不会受到赞扬，也不会遭到鄙视。他们会被好奇和接纳。访问者应该感到恼怒，惊讶和惊讶，以便在他们之间开始讨论，同时他们可以通过发送帖子积极参与。
视频介绍：
（此处为视频，请在原文中观看）
人物经历
他的作品涵盖了互动装置，媒体艺术，视频艺术，表演艺术等多种形式，运用了计算机编程，增强现实，虚拟现实和移动APP等多项技术。其项目关注并批判性地探讨经济、政治、文化与创意话题。
他的作品以智性的艺术家姿态反映了当今信息社会的视野与局限，参加过多个大型新媒体艺术展，包括：
德国卡尔斯鲁厄ZKM媒体艺术中心，纽约新美术馆，柏林 Transmediale，林茨 Ars Electronica，塞维利亚当代艺术双年展，巴塞尔 Viper and Shift，莫斯科 Read_Me 艺术节，德里 CeC，上海美术馆 MoMA，东京 ICC，首尔媒体艺术双年展及 MMCA 现当代艺术馆。
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Karina Smigla-Bobinski
_Karina Smigla-Bobinski 1967 年出生于德国斯德廷，1986 年至 87 年间，她在克拉科夫绘画艺术学院学习。1993 年，她在格哈德·伯格 (Gerhard Berger) 的指导下继续在慕尼黑学院攻读硕士，并获得了文凭。_
作品1：Ada
作品介绍：
「Ada」是由波兰籍德国艺术家Karina Smigla-Bobinski设计的一款交互式装置。至今， 该装置的足迹已遍布许多国家，它的外表看起来像一颗超大的流感病毒分子，但它并不是传播疾病的“病毒体”，而是能够在白色的墙壁上“乱涂乱画”的透明球。 Smigla-Bobinski用氦气填充透明塑料膜，创造装置的球体，将木炭钉用作球体上分布的各个黑点。
游客轻轻推动「Ada」球，便可以在展厅的墙壁、天花板和地板上留下随意涂鸦的痕迹。「Ada」是后工业产物，集交互体验、艺术雕塑、自成型结构等多元素为一体。
在当今生物技术领域，「Ada」起着举足轻重的作用。它是一款充满活力的表演型机器（Performance-machine）， 也就是说，参与「Ada」涂鸦的人数愈多，画出的点和线也就愈加复杂，并且这些杂乱的痕迹，游客和艺术家本人都是无法破译的，当然，我们的“始作俑者”「Ada」也分辨不出。
毫无疑问， 「Ada」生成的涂鸦是“人为”的，因为破译这些标志和涂鸦的方式，与我们大脑处在睡眠状态有所关联， 这大抵就和我们做梦一样，梦里出现的一曲急乱、而又带动感的爵士吧…
视频介绍：
（此处为视频，请在原文中观看）
人物经历
Karina Smigla-Bobinski的作品主要是新媒体艺术和数字艺术，曾在欧洲、亚洲、北美和南美展出。她的主要作品之一是ADA，一个大型的交互式动态雕塑和绘图机器。
早在 1999 年，她就邀请公众参与她的作品“银盐”。当游客进入完全被泥土覆盖的空间时，他们的脚步会发现照片、一缕头发、丝带和放在有机玻璃板下的信件等纪念品。每位参观者都会揭开另一段历史，因为根据马塞尔·普鲁斯特 (Marcel Proust) 的说法，过去“一旦逝去，就隐藏在一个物质对象中”，而不是在我们脑海中创造的记忆中（Contre Sainte-Beuve, 1954)。
装置的名称是指通过摄影中使用的光敏物质对过去的物质化。装置随着故事的变化而变化，每一个展示的纪念品都会发生变化。“一件艺术品一旦发布就不再属于你。然后它成为世界的一部分，通过与其他人的对抗来影响它并改变世界和它自己。”
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Philip Beesley
_菲利普·比斯利（Philip Beesley）是一位实践视觉艺术家，建筑师，滑铁卢大学建筑学教授，欧洲研究生院数字设计，建筑与城市规划教授。_
作品：Hylozoic Ground
作品介绍：
在意大利威尼斯举行的第12届威尼斯双年展上，加拿大馆展示了Philip Beesley的Hylozoic Ground，这是一个身临其境的交互式环境，由安装有网格微处理器和传感器的轻量级数字制造组件组成。 Philip Beesley解释hylozoism这个词，并谈到了他在这个主题上的工作的开始，加拿大馆展览的概念，他的作品的诗意和实践方面，以及这个系统的下一步发展。
本次展览电影和声音环境为游客提供了一种几乎压倒一切的强烈体验，无数世界陷入混乱，在新生命中再次升起。 受Philip Beesley（菲利普·比斯利）“有生命的建筑”环境的形式语言的启发，短片中复杂的几何图形从惰性的水晶矿物移动到激增的生命形式。
在一个星体层中，不断变形的梦一般的视觉中，一个孩子般的存在出现了，反映了从死亡到新生命的基本旅程，支离破碎的荒野与闪烁的希望之光交织在一起。窃窃私语的声音从洞穴深处出现，创造了一条从痛苦中穿过新生命和天真奇迹的情感通道。
米格尔·谢瓦利埃广泛的艺术视野是由广泛的教育和广泛的旅行塑造的。他在国际上被誉为虚拟和数字艺术的先驱之一。
装置最初的设想是一个坚固的物理、密集的互动环境。但是在全球新冠流行期间， 人们需要一种不同类型的公共设施。因此，Philip Beesley（菲利普·比斯利）希望通过与声音和电影的合作者合作，创造更丰富和增强的物理及虚拟体验。
所以，我们现在看到的应运而生， 它是一种新型的多媒体装置，重新诠释了Philip Beesley（菲利普·比斯利）沉浸式建筑视觉的相互交织的层次和不断转换的贴近生活的品质：通过将复杂、相互依赖的自然系统转化为物理和虚拟的结构和环境， 这个交互装置提供了完全包容的未来愿景，在那里我们可以将我们的身体、思想和精神与我们的环境相结合，打破看似不可逾越的鸿沟，并创建基于相互交换和同理心的更新的世界。
视频介绍：
（此处为视频，请在原文中观看）
人物经历
Beesley的作品在当代艺术和建筑中被广泛引用，专注于快速发展的响应式和交互式系统技术和文化。他担任Living Architecture Systems Group的董事，以及Riverside Architectural Press的董事。
他在多伦多的事务所Philip Beesley Studio Inc.。，参与了许多合作，包括与Iris van Herpen的长期交流。
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